Кто из художников использовал суп

Дискуссии, касательно творческих способностей Энди Уорхола идут до сих пор. Самыми известными, но в тоже время самыми неоднозначными стали картины банок супа «Кэмпбелл». Кто-то видит в них лицо современного общества, а кто-то примитивность художника.

Творчество Энди Уорхола носит специфичный характер. Для кого-то он гений, для кого-то бездарь, лишенный таланта. Многие недоумевает «Да где же тут искусство?», «Так и я смогу нарисовать». А смогут ли? Возможно, да. В плане техники действительно ничего трудного. Но будет ли там прослеживаться идея и стиль автора? Считается, что искусство — это то, от чего получаешь эстетическое удовольствие, будь это картины Леонардо да Винчи, Микеланджело или другие великие произведения. Но является ли это константой? Почему нельзя назвать искусством что-то обыденное и повседневное? Энди Уорхол считал, что можно и на примере своих картин доказал, что это может вызвать резонанс.

Слава к Уорхолу пришла не сразу. Ему, как и многим представителям поп-арта пришлось пройти через шквал критики. Основным художественным движением Америки 40–50 годов был абстрактный экспрессионизм. Уорхол же предлагал совсем иной взгляд на искусство. Его работы отражали общество потребления, ценностями, которого были материальные вещи. Критика была направленна на то, что творчество Уорхола лишено изящества и не представляет культурной ценности. Взять хотя бы знаменитые банки супа «Кэмпбелл», которые были представлены в Нью-Йорке в 1962 году. Именно благодаря им Энди Уорхол получил признание. Многие сошлись во мнение, что картины отображают лицо тогдашнего общества, зацикленного на массовом производстве.

Бренд «Кэмпбелл», зародился в XVIII веке и существует по сей день. Его основная деятельность – производство супов быстрого приготовления. В 60х годах супы были дешевыми и привлекали своей практичностью. Нужно всего лишь залить водой и разогреть. Уорхол признавался, что ел их на протяжении 20 лет. Первой картиной стала банка томатного супа, написанная в жанре живописи. В последующим художник отказался от работы кистями в пользу шелкографии. В этом можно отследить некий символизм. Художник создавал картины объектами, которых были продукты массового производства. А последующие картины супа как раз-таки можно назвать производством, потому что наносились методом печати.

За всю жизнь Уорхол нарисовал множество картин, посвященных супу, в разных вариациях. Это были 10,32,100 и даже 200 банок с супом, банка с открывашкой, банка с оторванной этикеткой. Как видите это стало для художника неким фетишом. Он и сам не отрицал этого, называя эти картины своими любимыми работами. Энди Уорхола обвиняли в коммерческих связях с компанией «Кэмпбелл». Кто-то считает, что известный бренд просто заказал у художника рекламу собственной продукции. Основания, конечно, для этого есть, но конкретных доказательств так никто и не предъявил.

На аукционах картины Уорхола оцениваются в миллионы долларов. К художнику можно относиться по-разному. У кого-то он вызывает восхищение, а кто-то считает, что художник почует на лаврах незаслуженно. Но нельзя отрицать, что Уорхол освежил взгляд на искусство и добавил в него разнообразия. Совсем не обязательно делать то, что принято и актуально. Есть те, кто идет против системы и Уорхол как раз относился к таким людям. Он придерживался принципа рисовать то, что нравится даже если это были всего лишь банки с супом.

Если вам понравилась эта публикация, ставьте лайк ( 👍 - палец вверх), делитесь этой статьей в соцсетях с друзьями. Поддержите наш проект, подписывайтесь на наш канал и мы будем писать больше интересных и познавательных статей для Вас.

Селедка, банка с супом, синяя женщина: известные художники любили не только есть, но и рисовать еду. Рассказываем о 10 самых известных картинах, которые могут вызвать аппетит или наоборот.

Энди Уорхол. «Банка с супом «Кэмпбелл», 1962 г.

Энди Уорхол – американский художник, дизайнер, скульптор, режиссер, писатель и автор работ, которые ярко иллюстрируют понятие коммерческий поп-арт. Благодаря ему искусство стало доступно широким массам: люди начали видеть красоту в простых вещах. Художник пытался раскрыть поверхностную суть предметов и дать понять, что любой из них прекрасен, даже если это обычная консервная банка. Картина «Банка супа «Кэмпбелл», созданная в 1962 году, - его самая известная работа. Вскоре Уорхол создал целую серию подобных холстов. При жизни художник продавал «супы» по 100 баксов, а уже после его смерти одна из этих картин была оценена в 24 миллиона долларов.

Кстати, супы «Кэмпбелл» Уорхолл действительно очень любил и ел их прямо из банки.

2. Зинаида Серебрякова. «За завтраком», 1914 г.

Зинаида Серебрякова - одна из первых женщин в истории русской живописи. Уже к 25 годам она стала всемирно известна благодаря автопортрету «За туалетом». Но самое обаятельное произведение Серебряковой - картина «За завтраком», которая является образцом семейного и детского портрета: художница любила писать детей с материнской заботой и бесконечной нежностью.

Многие удивляются, почему на картине подают обед, ведь, судя по названию, речь идет о завтраке. Оказывается, в доме Серебряковых был принят европейский режим питания — утром подавали маленький завтрак, а в полдень — более плотный.

3. Кузьма Петров-Водкин. «Селедка», 1918 г.

Натюрморты Петрова-Водкина – документальная летопись эпохи. Их уникальность заключается в минимальном наборе предметов на столе, в игре с зеркальными поверхностями и ярких красках. На картине «Селедка» изображен скромный обед 1918 года — две картофелины, кусок хлеба и селедка на столе. Искусствоведы полагают, что красная скатерть символизирует «революционные будни».

В натюрмортах художник часто использовал зеркальные предметы – стаканы, самовар, чайник или просто зеркала. Его работы светлые и радостные, в них видно непосредственное восприятие мира и натуры художником. Среди известных работ с изображением еды также «Розовый натюрморт. Ветка яблони», «Натюрморт со стаканом, фруктом и фотографией», «За самоваром», «Фрукты».

4. Борис Кустодиев. «Купчиха за чаем», 1918 г.

С самого детства Борис был знаком с бытом купцов: его семья арендовала флигель в купеческом доме в Астрахани. С приходом большевиков закончились и годы счастливой юности, а дородные купчихи теперь жили только в памяти художника: «Живем мы здесь неважно, холодно и голодно, все только и говорят кругом о еде да хлебе… Я сижу дома и, конечно, работаю и работаю, вот и все наши новости».

«Купчиху за чаем» Кустодиев написал уже в 40-летнем возрасте. Изображенная на картине дама — его соседка по дому в Астрахани Галина Владимировна Адеркас, которая была настоящей баронессой из древнего рода.

5. Павел Федотов. «Завтрак аристократа», 1849-1850 гг.

Федотов называл свой жанр живописи «нравственно-критическими сценами из современной жизни». В его работах были важны детали, ведь они раскрывали истинный смысл сюжета. Если хорошо присмотреться, то именно предметы на картине «Завтрак аристократа» раскрывают характер и образ жизни персонажа. Аристократ пускает пыль в глаза: он окружен модными и дорогими вещами, но завтрак его очень скудный. Он впопыхах пытается прикрыть кусок черного хлеба книгой. Кстати, сам художник назвал свою картину «Не в пору гость». А уже после его смерти появилось нынешнее название.

6. Казимир Малевич. «Натюрморт», 1911 г.

Известный русский импрессионист до написания картины «Черный квадрат» долго искал себя и свой стиль. Он считал, что нужно нести искусство в жизнь, а не наоборот, и тогда жизнь станет поистине прекрасной. В исканиях он обращался к импрессионизму и кубизму: он любил яркие цвета, сильные и резкие эмоции. «Натюрморт» – как раз работа периода исканий. Художник выполнил его в технике «клуазоне»: французский стиль росписи, в котором большие пятна цвета замыкаются черными жирными линиями.

7. Илья Машков. «Натюрморт. Фрукты на блюде», 1910 г.

Художника называют «королем натюрмортов», а искусствоведы считают его родоначальником русской колористической традиции. Действительно, любимым жанром Машкова был натюрморт: на холстах можно встретить яркие тыквы, сочные лимоны, апельсины, нежные персики, сочный разрезанный ананас и многое другое.

«Натюрморт. Фрукты на блюде» стал началом его работы в этом жанре. Кстати, в свое время художники Анри Матисс и Валентин Серов рекомендовали эту картину меценату Морозову. Для Машкова это было настоящее признание.

8. Пабло Пикассо. «Любительница абсента», 1901 г.

Жизнь Пикассо началась очень необычно. По легенде, он родился слабым младенцем, и акушерка даже подумала, что он мертв. Однако дым от сигары дяди, который стоял рядом, пробудил ребенка.

Картина «Любительница абсента» – портрет души Пикассо. Художник постоянно преодолевал различные испытания: нищету, отсутствие заказов, смерть близкого друга. Именно поэтому тема одиночества и опустошенности отражена во многих его картинах. На время написания «Любительницы абсента» у художника даже не было денег на холст. Для этого Пикассо взял старую работу, закрасил ее и воспользовался обратной стороной. Цвета получились приглушенными, а героиня – зажатой и усмиренной тоской. Она настолько погружена в себя, что безразлична к происходящему. Абсент на столе – это портал в мир забвения, где нет тревог, болезней и страхов.

9. Клод Моне. «Завтрак на траве», 1866 г.

Картина создана под впечатлением от скандального полотна Эдуарда Мане с одноименным названием. Общего у картин мало, кроме лесного пейзажа.

Для написания леса Клод выезжал на пленэр, а будущих героев рисовал сначала в мастерской, затем еще и на природе в виде этюдов. И только после этого в мастерской художник объединил все в одно целое. В первую очередь, картина завораживает своим солнечным светом, который проникает сквозь зеленое кружево листвы.

Художник расплатился «Завтраком на траве» за квартиру. Новый хозяин потерял часть картины и только спустя шесть лет Моне смог выкупить свою работу, восстановив утерянные фрагменты и переписав какие-то заново.

10. Поль Сезанн. «Натюрморт с бутылкой мятного ликера», 1895 г.

В своих натюрмортах Сезанн часто использовал яблоки, груши, луковицы, бутылки с вином, глиняные кувшины, чашки, корзины, разноцветные драпировки в холодных тонах. А еще французский живописец очень любил рисовать разные бутылки, и его предметы постоянно переходили из одной картины в другую.

Суп – самое распространенное первое блюдо. И хотя разнообразные похлебки были известны практически у всех народов с незапамятных времен, суп в современном понимании сложился только 4-5 столетий назад. На сегодняшний день насчитывается порядка 150 его типов, каждый из которых имеет множество вариантов. Одно из самых почитаемых и любимых блюд нашло широкое отображение в живописи и литературе, а некоторые из супов даже вошли в историю.

Так, луковый суп по одной из легенд был придуман французским королем Людовиком XV, сладкий пивной суп был в особой чести у Фридриха Великого, а вот швейцарский молочный суп однажды даже примирил воюющие армии. Произошло это в 1529 году в разгар религиозных войн у небольшого местечка Каппель, где расположились войска протестантского Цюриха и католического Цуга в ожидании решающей битвы. Но однажды вечером католики приготовили громадный котел молочного супа. Протестанты учуяли аппетитный аромат и отправили переговорщиков, снабдив их свежеиспеченными краюхами хлеба: Если вы дадите нам отведать вашего супа, мы поделимся с вами нашим хлебом!
Котел тут же разместили строго на границе, водрузив на него шпагу в знак демаркации. После совместной трапезы противники разошлись в благодушном настроении, и вскоре был подписан мирный договор. Этому событию посвящена картина швейцарского художника Альберта Анкера (1831 – 1910) “ Молочный суп Каппеля ”.

Предлагаем вашему вниманию подборку картин и литературных цитат на “суповую” тему.

Н есчатлив тот дом, в котором не варят супа. Hе стоять той семье, где все кормятся бутербродами. В наш век, век экзистенциального одиночества, нет фундамента прочнее, чем кастрюля густого горячего супа. Вокруг нее собирается и стар, и млад, чтоб хлебать наваристую жижу, заедая щедрыми ломтями хлеба. Hастоящий классический суп распространен лишь у тех народов, где бедность понукала изобретательность «.
П.Вайль, А.Генис из книги “Русская кухня в изгнании” (1987)

М ужчины изобрели лук и стрелы. А женщины — суп.
Айла Дьюар, шотландская писательница, из книги “Непричесанные разговоры”(Women Talking Dirty, 1996)

П равило трёх «С»: настоящим поваром считается лишь тот, кто может приготовить салат, соус, суп.

С лишком много поваров – прощай похлёбка
Английская пословица

С уп не едят таким горячим, каким его варят.
Французская поговорка

Д жентльмен не ест суп во время ланча.
Лорд Керзон (1859 – 1925), английский государственный деятель, путешественник и публицист

Жан-Батист Симеон Шарден, Натюрморт с овощами для супа, 1732

Diane Fraser, Натюрморт «Хлеб и суп»

Т ого, кто врет, нельзя назвать чистосердечным, и такой человек не способен сделать хороший суп.
Людвиг ван Бетховен (1770 – 1827), немецкий композитор и пианист. Из книги Beethoven: The Man and the Artist, as Revealed in his own Words.

Ч то вы думаете о еде? – спросил сэр Роже. – О недвижимости? О тоннеле под каналом? Об англиканской церкви? О людях, которые черны?
– Я много думаю о супе, – сказала она. – Некоторые мои широчайшие и глубочайшие мысли – о супе. Мне в детстве супа никогда не хватало. Потому, наверное, я и стала разбойницей с большой дороги. Теперь у меня – целые котлы супа, и нет конца этим котлам. Куриного супа, ячменного, протертого грибного, томатного супа-пюре с омарами…
Доналд Бартельм (1931 – 1989), американский писатель-постмодернист, из романа «Король»

Фердинанд Георг Вальдмюллер Раздача супа на кухне 1859 г.

В первоклассном супе гораздо больше искусства, чем во второсортной живописи.
Абрахам Маслоу (1908 – 1970), американский психолог, основатель гуманистической психологии

Н ичто не сравниться с супом. По своей природе он эксцентричен: похожих супов найти нельзя, правда, до тех пор, пока их не помещают в консервную банку.
Лори Колуин (Laurie Colwin, 1944 — 1992), американская писательница, автор кулинарных эссе

У орхоловские изображения супа «Кемпбелл» — блестящая сатира на культуру, а сам этот суп — блестящая сатира на еду.
Крейг Килбурн, американский актер, телеведущий, писатель

М удрость, подобно черепаховому супу, не всякому доступна.
Козьма Прутков

И деалист — человек, который, обнаружив, что роза пахнет лучше, чем капуста, приходит к выводу, что и суп из розы получится вкуснее.
Генри Луис Менкен(1880 — 1956),американский публицист, сатирик, журналист, эссеист, критик

С уп — это сочетание вкусного жиденького со вкусным твёрденьким, а не сочетание схлюпываемого со склизким…
Михаил Генделев (1950 -2009) из “Книги о вкусной и нездоровой пище, или Еда русских в Израиле. Ученые записки «Общества чистых тарелок”(2006)

Shelly Wilkerson Гороховый суп и каберне

Акварель Susan Avis Murphy

О тсутствие супа в доме — один из первых показателей и признаков семейного неблагополучия. Вот почему сделать суп дано не каждому. Его может сделать не только знающий, точнее, многознающий человек, но и человек спокойный, уравновешенный, уверенный, стабильный по своему нраву, по своей психике и в то же время не лишённый творческой жилки, кулинарной и общей одарённости.
В.В. Похлебкин, историк и кулинар (1923 -2000) Из книги “Тайны хорошей кухни”(1979)

Joe Anna Arnett Овощной суп

Фернандо Ботеро. Натюрморт з зеленим супом. 1972

Томатный суп мамы, худ. Ирина Ермолова

Автор:Энди Уорхол
Музей:Музей современного искусства (Нью-Йорк)
Год: 1962

Описание картины:

Банка супа «Кэмпбелл» - произведение, которое круто изменило жизнь Энди Уорхола. Наконец, к нему пришла слава, признание и в связи с этим материальный достаток. До тех пор художнику неустанно напоминали – коммерческие иллюстрации не имеют к высокому искусству никакого отношения, но Уорхол сломает этот стереотип, бросив вызов обществу.

История началась с отпуска. Художник решил сделать паузу, чтобы отдалиться от работы и придумать что-нибудь совершенно новое. Какие только эксперименты не проводил мастер – рисовал мультяшных персонажей, смешивал краски, оставлял на асфальте белые листы, чтобы прохожие оставляли на них отпечатки своих ботинок. Нужная идея пришла неожиданно – кто-то подсказал Уорхолу: нужно рисовать то, что любишь. Так появились знаменитые банки с супом. Художник признавался, что этот суп был его обедом в течение 20 лет. Стоит упомянуть, что банки нужны были не только ради содержимого, так как мать Уорхола Юлия, главная помощница будущего «короля поп-арта», увлекалась изготовлением цветов из жестяных банок, которые после продавала за небольшую цену.

И вот Уорхол отправляет Юлию в магазин, чтобы та купила все виды супов марки «Кэмпбелл», которые выпускались на тот момент брэндом. И художник принялся за работу, которая заняла целый год. Итогом стал цикл работ из 32 полотен, выполненных в технике шелкографии, каждая размером 51x41 см. 9 июля 1962 года в галерее Ferus (Лос-Анджелес) банки с супом были впервые представлены обществу и произвели ошеломительный эффект. Гости экспозиции говорили, что это простое по сути изображение заставило о многом задуматься – безликость массового потребления, пошлость и одинаковость, бездушие окружающих предметов. Уорхол мгновенно понял: он нашёл то, что искал, новую идею, новое направление, получившее название «поп-арт».

Далее творческая и общественная жизнь художника пошла гладко. Он много работал, выбирая самые неожиданные идеи, обращался к портретам известных личностей, а интерес к своему творчеству Уорхол неизменно подогревал скандальной репутацией – открыл студию-салон «Фабрика», менял любовников, снимал скандальные фильмы. Всё это обеспечило высокую стоимость всех работ, выпускаемых Уорхолом. Но самое удачное произведение, по мнению автора, было именно «Банки с супом Кэмпбелл».

Энди Уорхол – человек, который привел рекламу в галереи. Сегодня он один из самых узнаваемых, популярных и дорогих художников.

Сюжет

Говоришь Уорхол — подразумеваешь бесконечный репринт. История с упаковкой супа Кэмпбелл началась в 1960-м с изображения одной банки и закончилась через два года двумя сотнями картинок. В промежутке был вариант из 32 копий.

Первая работа была посвящена рисово-томатному супу — самому популярному — и выполнена в технике живописи. Все последующие вариации созданы в технике, которая сделала Уорхолу имя, — шелкография. Именно она позволяла ему штамповать за день десятки копий одного сюжета.

Когда Уорхол впервые представил картину, каждое из изображений лежало на полке, как если бы это были настоящие банки в супермаркете. Их количество соответствовало числу вкусов, которые тогда могла предложить компания Кэмпбелл. И каждая картинка обладала своим запахом, который подтверждал название — что на коробке, то и в коробке.

Контекст

Современники назвали работу с упаковкой супов отражением пошлости и бездуховности культуры массового потребления. В это охотно верится, если не знать, что сам Уорхол был фанатом потребления. И его творчество — гимн потребительской эпохе. Селебрити, политики, деньги, товары — все лишь объекты потребления.

Уорхол сам выбирал объекты для тиражирования. Суп Кэмпбелл был дешевым и популярным, особенно в среде бедных людей, откуда вышел и художник. Человек, воспитанный на супах быстрого приготовления, либо сдается, либо протестует. Уорхол дошел до того, что превратил идолов в своего рода суп: многократно повторенный, разжеванный образ быстро готовится, легко продается, с удовольствием потребляется и вызывает привыкание.

Энди создал Джоконду XX века — изображение Мэрилин Монро. Первую работу он выполнил вскоре после ее смерти, а затем сделал многочисленные репринты. Это одновременно возносило ее фото до уровня иконы и низвергало до уровня листовок. Очень дорогих листовок. И так Уорхол поступал со всеми.

Судьба художника

Ненасытная жажда потребления — это отчасти следствие нищего детства. Энди родился в многодетной семье иммигрантов, жизнь была непростой. Ребенком он перенес несколько серьезных болезней, из-за которых был вынужден много времени провести в постели. В результате Уорхол вырос мнительным, закомплексованным, боящимся врачей. В юности он перекрасил волосы в седой: он хотел выглядеть, как старик, думать, как старик, и жить, как старик. Но все вышло с точностью до наоборот.

Отучившись на графического дизайнера, он отправился в Нью-Йорк, где занялся рекламой: рисовал иллюстрации, плакаты, оформлял витрины. Предлагаемые им образы были дерзкими, провокационными и … работающими. Его реклама продвигала товары. Вскоре Уорхол смог от ремесла перейти к творчеству.

Он смог соединить индустрию рекламы и искусство. Шелкография, которую Уорхол стал использовать для создания арт-объектов, позволила реализовать его идею: искусство надо производить массово. Понятия высокого и низкого были нивелированы.

Свою мастерскую он организовал по принципу Содома и Гоморры. Вечеринки с алкоголем, наркотиками, оргиями не прекращались. Контора работал под вывеской «Фабрика» и занимала особняк на Манхэттене. Почти все, кто так или иначе сотрудничали с Уорхолом, подсаживались на наркотики разной степени тяжести. Художник делал это специально: низводил людей до уровня животных, наблюдал за ними и в очередной раз демонстрировал, что те, кто считают себя людьми, личностями, таковыми не являются.

Параллельно с вечным «праздником» «Фабрика» производила искусство. Это была и реализация Уорхола, и его пощечина общественному вкусу, которому привычны уникальные арт-произведения, создаваемые долго и мучительно. Уорхол своим тиражированием запустил новый тренд: искусство всегда должно быть на полке, уникальность больше не интересует, даже упаковка может быть шедевром, стоящим тысячи и даже миллионы долларов.

НОЧНОЕ ЖИВОТНОЕ

Последнее
Архивное
Лента френдов
Профиль

July 2017

S	M	T	W	T	F	S
1
2	3	4	5	6	7	8
9	10	11	12	13	14	15
16	17	18	19	20	21	22
23	24	25	26	27	28	29
30	31

Links

beeteam
cinema
coub
crazy_mult
friday_doc
horror
idfa
kubana
night_story
scary movies
video
whiteperm
writer's block
БЮ
ДРОВА ВИДЕОКАРТЫ
Док
История моего саморазрушения
МИР-4
а я не видела!
апулей
байки
белая гвардия
велосипед
гитлерофилия
дикая мята
док
документальное кино
документальный фильм
еда
жизнь каждый день
интересности
искусства
й и
картинки
киносоль
кинофабрика
клипы
клубные дети
коммуналка
концерты
кубана
мадам и ее поклонники
марьино поле
мастер
маяковский
мои друзья
москва
моя прекрасная N
музыка
мысли вслух
не могу пережить это в одиночестве
ов
опера
поклонники
поклонники мадам
полезное
пост
прогулки
пусть здесь полежит
работа режиссер
развитие
режиссерский дневник
реклама
репортаж с события
репосты
сериал
ссылки
стихи
съемки
театр
типична валиева
типичная валиева
трудовыебудни
училка
фестивали
флешмобы
фото
хорошее кино
художники
цитаты
школа
это очень красиво
юмор

Суп в искусстве: Энди Уорхол

Энди Уорхол, знаменитый король поп-арта, прославился "заигрываниями" с жестяными банками супов "Campbell`s", которым, по его собственному заверению, в детстве и отрочестве кормила его мать. Конечно, Уорхол (помимо короля поп-арта) был еще мастером эпатажа, поэтому мы будем верить не всем его словам. Но то, что суп "Cambell`s" был знаком каждому американцу, подтверждает следующая история: Муриэль Лэтоу, декоратор и владелец арт-галереи в Манхеттене однажды сказала Уорхолу, что он должен нарисовать "что-то, что ты видишь каждый день и что-то, что все бы узнали. Что-то типа банки супа «Кэмпбелл»". Говорят, что Уорхол ответил: "Ох, это звучит восхитительно!", и ушел на следующий день в магазин за ящиком супов.
Что ж это за зверь такой - супы в жестяных банках фирмы "Campbell`s"? Wiki пишет, что это крупнейший мировой производитель консервированных супов, макаронов, готовых блюд, соков, бисквитов. Компания семейная, основана в 1869 году Джозефом Кэмпбеллом и Абрахамом Андерсоном. Отлично, но нам ничего особенного не говорит, кроме того, что почти сто лет до появления шелкографий прочно развивалась на американском рынке

А мы вернемся к Энди.

Существует несколько предположений о том, как в голову начинающего художника пришла идея о создании "консервного" полотна. Официальная версия гласит, что рожденный в бедной иммигрантской семье Уорхол в детстве часто был вынужден есть воспетый им впоследствии консервированный суп. Повзрослев и впитав широко распространенные тогда идеи нео-дадаизма (направления в искусстве и литературе, признающего бессмысленность существования), Энди попытался отразить свои убеждения в работе. По его собственным словам, картина представляет собой "сущность ничтожности". Уорхол так ненавидел этот суп, что не мог не излить столь сильные чувства в творчестве. Другая версия (предлагаемая Тедом Кэри, близким другом Уорхола), гласит, что великий мастер эпатажа купил идею столь неоднозначного проекта у знакомого галериста за 50$. В 1985 году в интервью журналу "Face" мэтр упомянул, что у его матери было хобби изготовлять из консервных банок цветы, из-за чего в доме всегда можно было найти жестянки из-под супа. Это заявление моментально породило слухи об участии старшей Уорхол в творении сына. Так или иначе, мы получили прекрасный арт-объект, стремительно ворвавшийся с мир искусства и повлиявший на множество светлых умов. :)))

Первые супы "Campbell" в его исполнении появились в 1962. Они были исполнены в технике шелкографии, всего 32 картины с идентичными банками. Они располагались на стене в ряд, как на витрине магазина.

Критики сразу разглядели Уорхола и стали утверждать, что работы молодого художника вскрывают пустоту, пошлость и безликость культуры массового потребления, когда образ вещи (мистический и глобальный) довлеет над самой вещью. Таким образом, обыкновенные банки с супом превратились в объект искусства. Так поп-арт прочно вошел в массовую культуру, став самой яркой ее частью. А супы "Кэмбелл" превратились в "визитную карточку" Энди Уорхола. Художник возвращался к этому продукту еще несколько раз. В 70-е он красил их в психоделические цвета, а в 80-е использовал в своих ретроспективах.

Супы Энди Уорхола были так популярны (как и сама его личность), что в мае 1969 года они вместе со своим создателем появились на обложке Esquire. Энди тонет в своем же творении, таким образом символизируя упадок поп-арта. Это одна из знаковых обложек XX в.

В 2012 году компания Campbell Soup Company почтила работы великого Энди и выпустила серию банок супа в психоделических цветах и с цитатами самого Уорхола, отметив 50-летие появления полотен художника.

В России супа "Кэмбелл" не продается. Ну что поделать, не едим мы консервированные супы. Мы и обыкновенные-то едим через раз! :)) Но, тем не менее, есть прекрасная история о том, как Энди Уорхолл в 1985 году передал банки супа "Кэмбелл" и другие подарки со своим автографами ленинградским художникам и музыкантам. Именные подарки от Энди Уорхола тогда получили Сергей Курехин, Тимур Новиков, Виктор Цой, Сергей Бугаев Африка, Георгий Гурьянов, Олег Котельников и Борис Гребенщиков. Все они в то время входили в состав организованной ими Новой Академии Всяческих Искусств, на собрании которой они приняли решение о присуждении Энди Уорхолу звания академика. Тогда же (в январе 1986 г.) была произведена в галерее "АССА" первая квартирная выставка Энди Уорхола в СССР.

Подробнее об этой чудной истории можно почитать тут

Заканчивая рассказ о супах в искусстве и Энди Уорхоле необходимо упомянуть, что по итогам 2012 года Энди Урхол стал самый продаваемым художником в мире, а его "Большая банка супа Кэмпбелл с открывашкой" ушла по рекордной цене в 23,9 млн долларов.

Безусловно, сама фигура Энди, его влияние на искусство, его мысли, образ и поступки - все это крайне интересная огромная тема, которая, к сожалению не является предметом моего постика.:(((

Культовая картина Энди Уорхола "Банки супа Кэмпбелл" уже многие годы вызывает многочисленнные дебаты. Как известно, Уорхол использовал теперь уже всемирно известные жестянки на разных этапах своей карьеры. Впервые обратившись к столь банальному и разрекламированному предмету еще в начале 1960-х, "поп попсы" впоследствии включал их в ретроспективы своих работ и в 70—ые, и в 80—ые. Неудивительно, что многие приближенные Уорхола десятилетиями пытались присвоить себе славу вдохновителей короля эпатажа.

Супы Кэмпбелл не были первой работой Уорхола. Художник и до этого уже создавал картины, в основу которых ложились самые популяризованные продукты и образы эпохи. Однако, узнав, что у него появился серьезный конкурент в лице молодого и перспективного бумагомарателя Роя Лихтенштейна, на тот момент еще малоизвестный Энди решил во что бы то ни стало "побить" конкурента. Необходима была новая, свежая идея — что-то, что могло привлечь внимание зрителей.

Напомним, что к этому моменту поп-арт движение находилось едва ли не в зачаточной стадии, отчего каждый новый богемный шедевр становился настоящей сенсацией. Это не означает, что мастеров, работающих в этом направлении, было немного. Художники как из Америки, так и из Европы (в особенности старой доброй Англии) активно боролись за место под культурным солнцем, предлагая все новые и новые интерпретации современной действительности. Разница заключалась лишь в том, что, если в Старом свете поп-культура больше ударила по модной индустрии, то в Штатах особое влияние глянцевого движения испытали художники. Предметом поклонения стали самые что ни на есть банальные, "одноразовые" объекты, воспеваемые на рекламных щитах и по телевизору.

В конечном счете, какова бы не была история, лежащая в основе создания столь культового призведения искусства, она послужила во благо! Картина может нам нравиться или нет, но в любом случае она очевидно достойна признания! Сегодня выставка легендарной работы короля попсы проходит в галерее MOCA в Лос-Анджелесе. Выставка продлится до 19 сентября.

Группа «Синий суп» заслуженно любима поклонниками и деятелями нашего современного искусства. Работы художников впечатляют и запоминаются, они были не раз номинированы на премии и награждались «Инновацией», их постоянно выставляют и включают в сборные выставки – от видеоарта до национальных. Их видео, где море, пересеченное трещиной, волнуется, не двигаясь с места, открывало выставку Айвазовского в Третьяковской галерее. И это была не формальная дань музейной моде внедрять ужасно современное в классическое благолепие, а прямое указание на продолжение традиции.

«Синий суп» собрал выставку «Земли» из старых и нового видео

Потому что работающие в технике компьютерной анимации, модные и ироничные, недавно справившие 40-летие участники «Синего супа» – Алексей Добров, Даниил Лебедев и Александр Лобанов – очевидные наследники русской живописи в самых характерных ее проявлениях. Точнее – пейзажной, не побоюсь сравнения – прямо Исаака Левитана.

По крайней мере, три самых значительных их видеопейзажа – «Оборона», «Озеро» и «Метель» – своей напряженной многозначительностью и свинцовой туманностью заставляют вспомнить, например, «Над вечным покоем». И не важно, что Левитан писал по холсту маслом с натуры, а «Синий суп» моделирует изображение на компьютере и демонстрирует его на экран через проектор. Даже, наверное, не так важно, что Левитан пытался передать в картине природы божье присутствие, а на современном видео пейзаж – место гиблое, богом оставленное, роковое. Но ощущение тоски, заброшенности в пространство и скрытой ирреальной угрозы – вот что объединяет классика с нашими современниками, русских художников с русскими душою зрителями.

Творческие планы

На вопрос, не стали ли инсталляции в 3D их новым увлечением, члены «Синего супа» указали на свою последнюю работу «Каскад», где что-то все же происходит – вода стекает по лестнице. И уверяли, что заранее не планируют, чем займутся.

Первой запомнившейся работой «Синего супа» было видео «Эшелон» 2006 г. (тогда с группой работал и Валерий Патконен). Оно еще было динамичным – на двух экранах шли, громыхая, неизвестно куда неизвестно чем наполненные одинаково бесконечные эшелоны, а в третьей, напольной, проекции из открывающегося люка бесконечно падали с небес на землю перевязанные тюки. Здесь ничего левитановского еще не было, но образ бесконечного русского пространства присутствовал и производил угрожающее иррациональное впечатление.

Вторая серия работ «Синего супа» с магистральной, кажется, плохо соприкасается. Работы в 3D-анимации «Муть» и еще какая-то муть без названия, на которые надо смотреть сквозь очки, совсем не метафоры, а скорее визуализация состояний, и довольно противных. Здесь смотри не смотри, ничего не происходит. В отличие от пейзажей, которые имеют кульминацию, надо только ее дождаться – вот уже созерцаешь «Метель», ни на что не надеясь, а потом появляются люди, а потом их пожирает пространство.

Начинается же выставка с ранних, шутовских, даже игровых коротких видео «Синего супа», вполне характерных для конца 90-х.

Они доставляют удовольствие и вызывают недоумение – как вдруг случилось, что из популярного в стране самодеятельного зубоскальства выпускников Московского архитектурного института выросло монументальное, фресковое, серьезное видеоискусство.

Франсиско Гойя «Два старика едят суп» (1819-1823)

«Два старика едят суп» — изображение из серии «Мрачные картины«. Так назывались фрески, которые были созданы художником в период 1819-1823 гг. для стен своего дома в стиле al secco (на стене, по увлажненной штукатурке). Этот дом, который в народе назывался «Дом глухого» из-за прежнего тугоухого владельца, был приобретен Гойей уже в почтенном возрасте для того, чтобы жить уединенно вместе со своей любовницей Леокадией Вайс, которая была замужней женщиной. Считается, что «Мрачные картины» были созданы в период психологического и социального упадка художника. Гойя, создавая эти картины (всего их было 14), выражал таким образом мучавшие его кошмары, отчаяние от осознания своего физического упадка и чувства после тяжелой перенесённой им ранее болезни.

На картине «Два старика едят суп» мы видим двух древних персонажей, нельзя сказать, мужчины ли это или женщины. Лицо старика слева, в белом платке, расплывается в гримасе, мы видим это по его рту, скорее всего, беззубому. Другой старик, который больше похож на некое ужасное существо, контрастирует с уродливым, но живым героем. Его лицо напоминает труп, глаза полые, а вместо головы — череп.

Мазки на этой картине нанесены в очень свободной, решительной и быстрой манере. Цветовая гамма, как и на всех «мрачных картинах», очень темная, насыщенная охровыми, земляными, серыми оттенками. Созданные художником фрески, которые позже были перенесены на холст, не имели аналогов в то время и считаются предшественниками живописного экспрессионизма.

Диего Веласкес «Старуха, жарящая яйца» (1618)

Одна из первых работ Веласкеса, которые он написал вскоре после принятия в гильдию живописцев. Эти ранние работы художника принято относить к жанру «бодегон», таким термином обозначали жанровые сценки из повседневной жизни, героями картин были обычные люди. В художественной среде такое искусство считалось низшим, однако Веласкес интересовался им и подходил к написанию бытовых сцен со всей серьёзностью.

На картине мы видим старую женщину, которая жарит яичницу и помешивает яйца деревянной ложкой. Рядом с ней стоит мальчик, может быть, её внук, который помогает кухарке приготовить завтрак.

Яичница… добавьте к ней жареную картошку, ломтик хамона, и перед нами традиционный завтрак или обед испанца!

Пабло Пикассо «Завтрак слепого» (1903)

Холст «Завтрак слепого» принадлежит к так называемому «Голубому периоду» Пикассо. Творчество этого периода отражает трудности, с которыми сталкивался молодой художник, а также горечь утраты близкого друга: в 1901 году художник Карлос Касахемас, с которым Пикассо был неразлучен, покончил жизнь самоубийством. Под влиянием этих страданий Пикассо стал писать картины, в которых присутствовали мотивы старости, смерти, нищеты и печали. Цветовая гамма того периода преимущественно голубого цвета, а бледные слегка удлиненные тела героев картин — слепых, нищих, алкоголиков — напоминают работы другого испанского художника Эль Греко.

Картина «Завтрак слепого» отсылает зрителя к традиции христианского причастия, ритуалу вкушения хлеба и вина, которые символизируют плоть и кровь Христа. Освещенная мистическим светом картин Эль Греко, композиция усиливает свой эффект скудной обстановкой и ограниченной палитрой. Пикассо писал своему другу Максу Жакобу: «Я рисую слепого за столом. Он держит кусок хлеба в левой руке, а правой дотрагивается до кувшина с вином. Рядом есть собака, которая смотрит на него. Я достаточно доволен картиной, хотя она еще пока не закончена.»

Технический анализ картины показал, что собака появлялась в более ранней версии полотна, затем Пикассо убрал её. Также обнаружилось, что под данной композицией раньше находилась другая картина: профиль присевшей обнаженной женщины.

Хоакин Соролья «Обед на лодке» (1898)

Хоакин Соролья считается крупнейшим представителем импрессионизма в Испании, который создал свыше 2000 полотен. Картина «Обед на лодке» изображает группу рыбаков, которые отдыхают и обедают в укрытой от солнца лодке. Художник создал эту композицию после 8 лет работы, проведенных на средиземноморском побережье среди простых валенсийцев, чьим трудом он восхищался. Эта работа, выполненная на высшем уровне в рамках своего жанра, приняла участие в выставке изящных искусств в Мадриде в 1899 году. Соролья был награждён крестом Изабеллы Католической, а картина была продана за 30,000 песет, что позволило ей стать самой дорогой картиной в Испании того времени.

Читайте также: